Bruma láctea
1615. Un joven pintor, radicado en Amberes, trabaja en un cuadro sobre Rómulo y Remo. Su esposa, Isabella, entra en el estudio, acompañada de su hija Clara y sosteniendo en brazos a su segundo hijo. Clara corre hacia su padre, quien la levanta para mostrarle el lienzo. Al hundir sus grandes manos sobre la espalda de la niña, el hombre siente la carne tersa y rosada plegarse sinuosamente. Hará falta engordar a esos niños amamantados por una loba. El hombre se llama Peter Paul Rubens, y se convertirá en el más célebre pintor de cuerpos rechonchos y voluptuosos. Tal vez por eso, Michelle Sitton (Ciudad de México, 1995) lo ha citado en esta serie, realizada al calor —a la humedad— de la maternidad.
Esta exposición fue concebida entre el parto y el posparto. Algunas mujeres describen esta experiencia como adentrarse en un bosque de niebla o en un manglar: un estado confuso en el que la persona se desdibuja.
A diferencia de Rubens, Michelle pinta con su hijo en brazos, acompasando el trabajo y los cuidados. Ese vaivén configura una danza, una batalla: «la naturaleza la ha uncido al ritmo brutal e inflexible de la ley de la procreación.»[1] Un ritmo que actualiza el mito de la heroína y produce imágenes y escenarios expresados mediante el ejercicio de la pintura.
El desdibujamiento de la persona, en la serie presentada, se articula mediante diversos motivos que devienen símbolos: la nube y la niebla, la maraña de ramas y raíces, el gesto en espiral, el coro de ángeles, la ofrenda, el niño y el encuentro con el dragón. Hay una negociación entre la figuración y aquello que de monstruoso tiene el desbordamiento, la inconcreción.
Sitton dibuja insistentemente con color acumulando ritmos y fugas que trastocan la espacialidad. Pocas pinturas como la suya modulan el espacio y las escalas de manera tan audaz —pienso en Soutine y Chagall.
La obra de Michelle Sitton convoca la historia de la pintura con una soltura a la vez vital y personal, que le permite esbozar una mitología propia. Klee decía que el sentido de una pintura era hacernos felices. En esta serie, los sentidos se acumulan para dar lugar a la indagación, la con-fusión y el asombro, propiciando un tipo de alegría y extrañamiento que surge del vacío creador, de la fusión entre los cuerpos, de la permeabilidad entre el adentro y el afuera, y de la potencia del con-vivir siendo parte del movimiento.
– Julián Madero Islas
[1] Camille Paglia, Sexual Personae, (Barcelona: Paidós, 2021), 31.
[English]
Bruma láctea (Milky Mist)
1615. A young painter, based in Antwerp, works on a painting of Romulus and Remus. His wife, Isabella, comes into the studio accompanied by their daughter Clara, and holding their second child in her arms. Clara runs to her father, who picks her up to show her the canvas. As he presses his large hands into the girl’s back, he feels her smooth, pink flesh folding sinuously beneath them. The children being nursed by a she-wolf will need to be fattened up. The man’s name is Peter Paul Rubens, set to become the most celebrated painter of plump, voluptuous bodies. Perhaps this is why Michelle Sitton (Mexico City, 1995), has invoked him in this series, made in the heat– the humidity– of motherhood.
This exhibition was conceived between partum and postpartum. Some women describe this period as walking into a forest of fog or a mangrove swamp: a state of confusion in which one becomes unraveled.
Unlike Rubens, Michelle paints with her baby in arms, merging work and care together. This sway becomes dance, becomes battle: “nature has yoked her to the brutal, inflexible rhythm of the law of procreation.” A rhythm that renews the myth of the heroine and produces imagery and scenarios expressed through the act of painting.
The unraveling of the person, in this series, is articulated by numerous motifs that become symbols: the cloud and the fog, the tangle of roots and branches, the spiral, the choir of angels, the altar, the child and the encounter with the dragon. There is a negotiation between the figurative and the monstrous quality of that which overflows and remains undefined.
Sitton draws insistently with colour, accumulating rhythms and vanishing lines that disrupt spatiality. Few paintings such as hers are able to modulate space and scale in such a bold manner— they remind me of Soutine and Chagall.
Michelle Sitton’s work invokes the history of painting with an ease that is both vital and personal, and allows her to sketch out a mythology of her own. Klee said that the purpose of a painting was to make us happy. In this series, the senses accumulate to give rise to inquiry, confusion, and wonder, fostering a kind of joy and estrangement that arises from the creative void, from the fusion between bodies, the permeability between inside and outside, and the potency of coexisting as part of movement.
– Julián Madero Islas