[ESP]

Y las entrañas gritaron…

Los trazos terrestres se estratifican en espacios subterráneos, una memoria de transformaciones geofísicas donde el agenciamiento de lo no humano configura temporalidades fluctuantes en la materia. Estos parajes, aparentemente inhóspitos—huellas de las fuerzas que la Tierra ejerce sobre sí misma— revelan ritmos minerales, orgánicos y energéticos que laten entre capas no visibles. Y las entrañas gritaron… es un ejercicio artístico de paleontología especulativa que apuesta por sentir, con las fibras de nuestro cuerpo, los otros mundos de gases, lava y minerales que yacen bajo nuestros pies y comprender que el polvo y la arena extraídos son parte de los flujos vitales de pasados-presentes más allá de lo humano.

Esta exposición muestra una especie de vestigios de una era de cambios planetarios irreversibles cuyos “fines del mundo” silenciosos han creado estragos permanentes en los cuerpos y territorios más vulnerables donde formas de vida se resisten a la maquinaria capitalista. En este paisaje mineral obras creadas con partículas de cantera y sílice crudo, materiales de archivo y residuos tecnológicos son la evidencia del refinamiento del petróleo, que dan cuenta de la sed obscena por ese oro negro que enfrenta territorios y las lleva a cartografiar el suelo como recurso y mecanismo de control sobre comunidades despojadas de sus ecosistemas vitales.

Bajo la noción de antropobsceno del teórico Jussi Parikka, esta propuesta subraya los aspectos viscerales y políticamente problemáticos del impacto humano sobre la Tierra, en particular en relación con la producción masiva de dispositivos tecnológicos: la infraestructura de datos, las industrias de telecomunicaciones y la industria armamentista. Ante este panorama, surge la pregunta ¿cómo puede la práctica artística transmitir sentires la tierra, las temporalidades geológicas y el cuidado de organismos en un planeta compartido con múltiples vitalidades?

En este entorno de apariencia industrial, blanco y estéril, dibujos de una fauna en decadencia y esculturas que resignifican su programación obsoleta, operan como capilares expuestos: conductos que ya no transmiten energía, sino coágulos de información petrificada en el tiempo. Los “fósiles futuros” que menciona también Parikka, ensamblajes de desechos tecnológicos, se convierten en estructuras en descomposición de las que surgen testimonios del insaciable apetito tecnocientífico humano. Su impulso de dinamitar y conquistar territorios incluso subterráneos, parece erosionar cualquier posibilidad de futuro, desmembrando las capas geológicas y el entramado de otros seres orgánicos y no orgánicos.

Un microprocesador de computadora —artefacto cerebral de la era digital— requiere hasta sesenta elementos naturales distintos para su fabricación, extraídos a costa de millones de capas que nos llevan a los tiempos dislocados y profundos de la Tierra. Revelar las implicaciones de las prácticas que desgarran las entrañas de la Tierra es mirar los sedimentos marinos, las redes subterráneas y la memoria estratificada que sostiene el mundo de la superficie. Cada perforación en la corteza terrestre es una herida abierta que perpetúa desigualdades históricas: desde las guerras por minerales en el Congo hasta la devastación en la Amazonía, donde el suelo se ha convertido en un territorio en disputa, un campo de guerra, un cuerpo exhausto que resiste en defensa del territorio.

El daño infligido a las capas pulsantes de vida, humana y no humana, no es reversible bajo lógicas de extracción y control. Sin embargo, la Tierra con su tiempo no lineal y su capacidad de transformación, guarda en sus profundidades las resonancias de mundos anteriores: los rastros de ríos, de manadas animales y de comunidades invisibles de microorganismos que alguna vez tejieron la vida en la sombra subterránea.

Lava
Adriana Flores + Fernanda Ramos Mena

[ENG]

And the Entrails Screamed...

The terrestrial strokes stratify in underground spaces, a memory of geophysical transformations where the agency of the non-human shapes fluctuates temporalities within matter. These places, seemingly inhospitable—traces of the forces the Earth exerts upon itself—reveal mineral, organic, and energetic rhythms that pulse between invisible layers. And the Entrails Screamed... is an artistic exercise in speculative paleontology that aims to feel, with the fibers of our bodies, the other worlds of gases, lava, and minerals that lie beneath our feet and to understand that the dust and sand extracted are part of the vital flows of past-present realities beyond the human.

This exhibition presents a kind of relic from an era of irreversible planetary changes, whose “silent ends of the world” have created permanent damage in the bodies and territories most vulnerable, where their ways of life resist capitalist machinery. In this mineral landscape, works created with quarry particles and raw silica, archival materials, and technological waste serve as evidence of the refining of oil, which speaks to the obscene thirst for that black gold that faces territories and forces them to map the ground as a resource and a mechanism of control over communities stripped of their vital ecosystems.

Under the notion of anthropobscene by theorist Jussi Parikka, this proposal highlights the visceral and politically problematic aspects of human impact on Earth, particularly in relation to the mass production of technological devices: data infrastructure, telecommunications industries, and the arms industry. In light of this, the question arises: how can artistic practice convey emotions between the Earth, geological temporalities, and the care of organisms on a planet shared with multiple vitalities?

In this seemingly industrial, white, and sterile environment, drawings of decaying fauna and sculptures that re-signify their obsolete programming operate as exposed capillaries: conduits that no longer transmit energy but clots of information petrified in time. The “future fossils” mentioned by Parikka, assemblages of technological waste, become decomposing structures from which testimonies of the insatiable technoscientific appetite emerge. This drive to blast and conquer territories, even underground ones, seems to erode any future possibilities, dismembering geological layers and the fabric of other organic and non-organic beings.

A computer microprocessor—brainchild of the digital age—requires up to sixty distinct natural elements for its manufacture, extracted at the cost of millions of layers that take us to the dislocated and deep times of the Earth. Revealing the implications of practices that tear apart the entrails of the Earth is to look at marine sediments, underground networks, and the stratified memory that sustains the world at the surface. Every drilling into the Earth's crust is an open wound perpetuating historical inequalities, from the wars for minerals in Congo to the devastation in the Amazon, where the soil has become a disputed territory, a battlefield, a fatigued body resisting in defense of the land.

Under the logic of extraction and control, the damage inflicted on the pulsating layers of intertwined life, human and non-human, is irreversible. However, with its non-linear time and transformative capacity, the Earth holds in its depths the resonances of previous worlds: traces of rivers, animal herds, and invisible communities of microorganisms that once wove life in the underground shadows.

Lava
Adriana Flores + Fernanda Ramos Mena

Sofia Acosta Varea

Acerca de la obra:

EL ORIENTE ES UN MITO CAPÍTULO 01: PETRÓLEO, 2021
Este primer video surge de la recolección de archivos gráficos históricos, testimonios, registros personales y fotografías de las comunidades.
A partir de distintas busco resignificar la selva y situarla como un paisaje en decadencia. Aquí, los límites de lo humano y lo no humano, los límites entre la utopía y la distopía, conviven enfrentadas en una permanente y compleja relación dialéctica. La vida en abundancia y la codicia destructora comparten los entretelones selváticos.
El capítulo 01 tiene como punto de partida un video de archivo del 26 de junio de 1972. Ese día, el crudo extraído de la Amazonía ecuatoriana viaja por primera vez. Comienza el trayecto por el Oleoducto Transecuatoriano de Lago Agrio a Esmeraldas y es recogido en la Terminal de Balao. Un par de días después, es trasladado en barriles a la ciudad de Quito y las demás provincias del país.
Además del material histórico, político y social, el video explora un acercamiento material de lo no humano, y a las subjetividades desde lo afectivo. Y al mismo tiempo, inspirado en una mitología permanente, que aporta una dosis de ficción a la base misma de lo existente.
Este video se realiza en colaboración con el Archivo Visual Amazónico** y Llego Films.

Semblanza:Su obra refleja una práctica interdisciplinaria que va desde la instalación hasta el uso de la gráfica y el mural, pasando por la intervención de fotografías, archivos, cartografías y testimonios. Su propuesta es una apuesta estética y política que, por un lado cuestiona las narrativas preestablecidas de género al tiempo que explora una propuesta de arte postextractivista, poniendo en debate las nociones contemporáneas de territorio.

Amauta García y David Camargo

Acerca de la obra:
Entrañas, de la serie Warm (Calor), 2024
Esta pieza explora las similitudes entre las entrañas de la Tierra, del cuerpo humano y de los espacios arquitectónicos. Forma parte de nuestra investigación a largo plazo, guiada por las preguntas: ¿Quién tiene el derecho de extraer y utilizar la energía, y a qué costo? ¿De qué manera el concepto moderno de energía borra los procesos vitales que la generan?

Nido para piedra volcánica 1, 2024-2025
Esta pieza forma parte de una serie de esculturas que funcionan como hornos para fundir piedras volcánicas. La cerámica y la piedra volcánica son dos de los materiales con mayor capacidad de retención térmica. Cuando ambos materiales son expuestos juntos al fuego directo, interactúan, comparten su calor y alcanzan temperaturas muy altas.
Dentro de estos nidos colocamos pequeñas piedras volcánicas de origen desconocido, comercializadas como elementos decorativos para jardines y vendidas en tiendas ubicadas en lugares sin volcanes cercanos. Quizá, fundir estas piedras es devolverlas brevemente a su estado de lava, a su memoria de magma.

Semblanza:Amauta García y David Camargo colaboran desde 2011 en distintos proyectos. Artistas visuales por la UNAM, cursaron el Seminario de Medios Múltiples 3. Como dúo, investigan las burbujas del mercado inmobiliario y el extractivismo urbano, cuestionando cómo podemos relacionarnos con la tierra sin explotación. A través de esculturas, videos y canciones de cuna, comparten narrativas que son a la vez personales, sociales y políticas. Han expuesto en México, Países Bajos, Alemania, Estados Unidos, Georgia y Cuba. Fueron artistas residentes en Stiftung Künstlerdorf Schöppingen (Alemania, 2024), Hotel Maria Kapel (Países Bajos, 2023), Jan van Eyck Academie (Países Bajos, 2021-2022) y Borderland Residencies (Alemania, 2022). En 2022, la Stichting NDSM-werf Amsterdam y el Kunstmuseum Bochum les comisionaron piezas in situ para arte público. Su película Arrullo participó en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2023, entre otros festivales. De 2024 a 2025 realizarán una residencia artística en La Cité Internationale des Arts, París.

Mariana Ledesma

Acerca de la obra:
Telar de Jacquard, 2022
Esta pieza está inspirada en el telar de Jacquard conocido como la primera computadora, debido al uso de patrones que funcionan con principios de códigos binarios.
Conforme pasa el tiempo los cajones se llenan cada vez más de equipo obsoleto siendo los cables unos de los más brumosos y quizás inservibles. Los cables se relacionan a las dinámicas de convivencia y como cada vez nos hemos alejado más del uso de ellos. Los aparatos electrónicos son cada vez más independientes y en su mayoría no necesitan estar vinculados a otras máquinas, han perdido la necesidad de cables que cuyo uso fue como cordón umbilical.

Semblanza:
Mariana pertenece a la tercera generación de herederos de derechos para trabajar en la refinería de Salamanca, perdiendo este derecho en 2023 lo que le permitió conocer las fallas estructurales que existen en organismos como el sindicato petrolero.
Su acercamiento a la industria petrolera le han permitido reflexionar sobre el papel que tiene la extracción y refinación del crudo, sus procesos y convirtiéndose en material de uso en sus piezas.

André Magaña

Acerca de la obra:
OS No. 2, 2023
OS No. 2 es una escultura compuesta por una réplica de fibra de vidrio de la consola central de un Dodge Challenger de la década de 1970, un elemento formal bastante singular para un automóvil de esa época debido a su falta de angulosidad. Dentro de uno de sus huecos, se encuentra anidada una réplica de un supresor de arma de fuego impresa en 3D en acero sólido y bisecada, siguiendo el contorno interior de la consola. Esta obra surgió durante un período de investigación sobre el flujo de armas de Estados Unidos hacia México y reflexiona sobre el origen de armas de alto volumen y alto poder, una industria de fabricación de la que México carece prácticamente por completo.

Untitled, 2025
Untitled es una reproducción de dos diseños distintos de adaptadores de corriente universales de Tipo-B a Tipo-C y de Tipo-C a Tipo-B. Primero fueron modelados en 3D y luego impresos en acero sólido mediante un proceso de sinterización de polvo. Posteriormente, se recubrieron con pintura en polvo de color crema para comunicar una apariencia general de dispositivos electrónicos domésticos.
La remediación de esta forma hace que los objetos se vuelvan casi monumentalizados. Aunque su escala no cambia, su densidad y sustancia material los alejan de su contexto utilitario, permitiéndoles volverse simbólicos o representativos, algo que sería difícil de alcanzar al interactuar con sus contrapartes comerciales disponibles.
Estas réplicas están conectadas en una "cadena margarita", comunicando una absurda conversión de electricidad (literalmente, poder) de ida y vuelta. Se presentan en el suelo, como si hubieran caído desde la altura de la cintura. Uno de los adaptadores se ha desconectado.
Aunque la intención original de la obra buscaba reducir un bucle de retroalimentación del poder occidental a un único elemento visual y material, bajo la administración actual de Estados Unidos, la obra alude a la inestabilidad de las relaciones, el poder y la influencia de Estados Unidos en el escenario global.

Semblanza:
André Magaña (n. 1992, California, EE. UU.) es un artista que vive y trabaja en Nueva York. Su obra considera el uso de materiales, imágenes y signos en la generación de capital bajo grandes empresas globales. Está interesado en los aspectos técnicos, utilitarios y operativos de la producción, el mantenimiento y el crecimiento de la economía industrial postdigital.
Magaña resalta la relación inextricable entre el capital y la geopolítica poscolonial de sus sujetos, exponiendo sistemas altamente específicos como correlatos de dinámicas de poder de gran alcance. A menudo crea su obra en diálogo con su propio trabajo remunerado, utilizando o haciendo referencia a economías de materiales que están operativamente integradas en sus actividades como trabajador.
El trabajo de André Magaña ha sido exhibido a nivel nacional e internacional. Recientes exposiciones individuales en Veronica, Seattle, WA; Parent Company, Brooklyn, NY; Gallery Kendra Jayne Patrick, Berna, Suiza; King’s Leap, Nueva York, NY. Recientes exposiciones colectivas en PUBLIC Gallery, Londres, Reino Unido; in lieu, Los Ángeles, CA; Magenta Plains, Nueva York, NY; SculptureCenter, Queens, NY. Su trabajo ha sido destacado y reseñado en Art In America, ArtForum, New York Magazine, The Brooklyn Rail y CULTURED Magazine.

Carly Mandel

Acerca de la obra:
Bath Pillow, 2025
Bath Pillow es una representación de la almohada inflable de baño de la infancia de la artista. Tallada en madera de cerezo negro de los Apalaches, la escultura evoca la calidez y la intimidad de los interiores hogareños del Medio Oeste, remitiendo a los recuerdos tempranos de la artista y a las texturas de su crianza. La transformación de un objeto antes maleable y efímero en una forma sólida y perdurable alude a la experiencia familiar de la artista en torno al cuidado y la enfermedad.

Semblanza:
Carly Mandel (1992) es una artista con sede en Nueva York cuyas esculturas exploran la salud en Estados Unidos. A través de su trabajo, Mandel integra productos de consumo abstractos en técnicas artesanales tradicionales, investigando las complejidades del cuidado y la enfermedad.
En 2015, Mandel recibió su BFA del Pacific Northwest College of Art en Portland, Oregón. Su obra ha sido exhibida a nivel nacional e internacional y ha recibido reconocimientos como la Beca de Artista Visitante de UrbanGlass (2019), una residencia en el Bemis Center for Contemporary Arts (2021) y la Beca SIP del Robert Blackburn Studio de EFA (2025). Su trabajo ha sido destacado en BOMB y Art in America, y ha exhibido en galerías y museos como Canada, PPOW, Klaus von Nichtssagend, Someday Gallery, Fragment, Swivel Gallery, Krannert Museum y Gallery 400. Próximamente, su obra será exhibida en Tufts University Galleries y el John Michael Kohler Arts Center.

Lorena Mal

Acerca de la obra:
Modelo paleoambiental del Capilar Sanguíneo de la Formación Tlayúa, 2025
Ubicada en la mixteca poblana en México, la Formación Tlayúa es un lugar como pocos en el mundo en el cual se han preservado una gran cantidad de fósiles que datan de más de 100 millones de años, de cuando la mayor parte de América se encontraba bajo el mar. A través de un cuerpo de obra que combina video, dibujo, escultura y material de archivo, la artista Lorena Mal ha establecido una investigación de largo aliento con Tlayúa y sus comunidades, en la que reflexiona sobre las huellas energéticas presentes en los fósiles animales y en el consumo humano de combustibles fósiles, donde el tiempo profundo (geológico) y el humano se encuentran. En 'Modelo paleoambiental del Capilar Sanguíneo de la Formación Tlayúa', la artista dibuja con una ceniza volcánica rojiza proveniente de ésta cantera, amplificando un diagrama de los primeros estudios estratigráficos existentes (1989, Pantoja, quien también desarrolló el estudio geológico de la zona para Petróleos de México, PEMEX), interviniendo el material de archivo al mezclarlo con las descripciones anatómicas de las capas de piel del cuerpo humano, conectando así el cuerpo de la montaña con el propio.

Semblanza:
Lorena Mal (Ciudad de México, 1986) es una artista interdisciplinaria cuyo trabajo explora la relación entre la imagen y el sonido como medios de colaboración entre las artes visuales, la música y la historia material y ambiental. Ha presentado exposiciones individuales en instituciones como Meinblau, Berlín; Museo Amparo, Puebla; y Smith Gallery, Carolina del Norte. Su obra ha sido parte de muestras colectivas en espacios como el Museo de Arte Moderno, Palazzo Grassi, Fundación Jumex, y Laboratorio Arte Alameda.
Es egresada de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (UNAM) y de "La Esmeralda", además de haber participado en residencias internacionales en Estados Unidos, Francia, Alemania y México. Ha recibido numerosos reconocimientos, incluyendo el 1er premio en el Concurso Internacional de Video y Arte Electrónico Transitio (2013), y ha sido becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA en varias ocasiones. En 2024, fue beneficiaria de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores y vive y trabaja en la Ciudad de México.

Perla Mata Chairez

Acerca de la obra:
Flujos de la materia I a IV, 2025
A partir de una serie de exploraciones pictóricas con materia metalúrgica derivada del refinamiento y obtención de la plata —incluyendo minerales, metales y metaloides recolectados en distintas zonas del norte de México—, se exploraron las propiedades del material como pigmento y su capacidad para generar pinturas mutantes. Debido a su composición, estos pigmentos desarrollan formas particulares a partir de las interacciones entre la materia residual, los medios pictóricos y las condiciones ambientales, como el oxígeno y la humedad. El lenguaje material de las pinturas y su mutabilidad pueden vincularse con las transformaciones del entorno en las zonas metalúrgicas, reflejando una transición que ocurre de manera coincidente.

Semblanza:Perla Mata Chairez (Matamoros, Coahuila, 1996). Artista visual. Actualmente su trabajo surge del interés por el residuo como una entidad no silenciosa y más bien con agencia de transformación de los espacios naturales y urbanos. Aborda sus intereses desde una práctica situada y afectiva a través de la pintura, la instalación y el texto, dispositivos le permiten mostrar las interacciones o fuerzas que suceden entre la presencia, la ausencia y sus intercambios. Estudia una Maestría en Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en México y Alemania en espacios como el Museo Raúl Anguiano MURA en Guadalajara, Jalisco, el Centro de la Imagen en la Ciudad de México, Karne Kunst en Berlín, Alemania, la Galería de Arte Contemporáneo del Museo Casa del Cerro en Torreón, Coahuila, entre otros. Es beneficiaria del Programa Jóvenes Creadores del SACPC (antes FONCA)

Theo Michael

Acerca de la obra:Los paisajes marinos de Theo Michael rinden homenaje a los ideales románticos, particularmente la visión del hombre empequeñecido por la Naturaleza, una idea que resulta especialmente relevante hoy. Sin embargo, Theo subvierte estos ideales "arruinando" sus propios dibujos con bolígrafo, añadiendo criaturas marinas y personajes como si fueran grafitis vandálicos. Esta intervención revela una dialéctica interna, reflejando sentimientos conflictivos sobre el arte y la sociedad. Sus dibujos abordan temas como la contaminación, el cambio climático y el futuro de la humanidad, ofreciendo una perspectiva crítica en tiempos de crisis ambiental y nacionalismo.

Semblanza:Theo Michael nació en Panorama, Grecia en 1978. Es un artista interdisciplinario con nacionalidades griega, británica y mexicana. Su trabajo ha sido descrito por sus compañeros artistas como "antropología borracha". Los dibujos, esculturas y mosaicos de Michael utilizan referencias arqueológicas, de ciencia ficción y de historia natural para participar en un ejercicio de construcción de un mundo alternativo, donde los límites y jerarquías entre culturas y especies se han derrumbado.

Rodrigo Red Sandoval

Acerca de la obra:
Flower Shop, 2025
Imagen sedimentada de un signo, ícono o logo. Una estructura de marketing, anuncio, caja de luz; hoy brilla como mineral petrificado. Lenguaje y códigos de las gramáticas urbanas. Landmark de una caminata que ha perdido su mensaje y sentido, pero que aún orienta a los perdidos. ¿Qué hay en perderse, en estar perdido? Encapsulamiento geológico del media: cuando las ilusiones se vuelven materia—espejismo del desierto sin palmeras.

Visiones Fósiles, 2025
Cables cuelgan como venas expuestas en los cielos de la ciudad: vias de energía, datos, transacciones invisibles. la línea desplegada, se enrolla, se espesa, se convierte en masa. En esta serie, los cables han alcanzado su punto de saturación energética, coágulos de información, detenidos en el tiempo o visiones en diferentes temporalidades.
Al interior, se revelan metales como el cobre o el aluminio: materiales que, en su origen, fueron extraídos del subsuelo. Como si esa historia mineral y corporal, normalmente enterrada bajo tierra, se hubiera enrollado en espiral y quedara suspendida en el aire sujetada por los postes. El cable se convierte en una mina invertida: no desciende al subsuelo, sino que lo condensa en una linea. Allí aparecen incrustaciones fósiles, fragmentos arqueológicos, vértebras de aluminio—una arqueología desplazada que convierte la línea en estrato, el trayecto en suelo. Todos esos elementos que pertenecen al fondo—minerales, restos, infraestructuras—viajan por dentro, transformando el soporte en depósito, el medio en archivo.
Cada volumen parece un organismo geológico-tecnológico que en vez de activarse, retiene. Un archivo de tiempos superpuestos: el tiempo del cuerpo, el tiempo del metal, el tiempo del sistema urbano. Y en ese cruce, la escultura funciona como un punto de inflexión, donde la infraestructura se vuelve cuerpo y el cuerpo se vuelve terreno.

Semblanza: Rodrigo explora los mundos construidos y las dinámicas materiales que configuran nuestros entornos contemporáneos. Los sistemas urbanos aparecen como cuerpos abstractos que se extienden sobre y bajo la superficie del planeta, sugiriendo dinámicas de extracción y energía. Su mundo se presenta como un sistema articulado, con fronteras que dividen y filtran agentes. En su trabajo, diversos materiales y procesos son sampleados para citar distintos aspectos de la realidad, desde lo que podría ser una placa tectónica, una infraestructura de gas, fósiles, un ticket de supermercado, una red digital o un objeto arqueológico, alternando rápidamente entre la superficie y lo profundo.

MAPA | Y las entrañas gritaron...