Maty Biayenda
La Caresse des Coquettes

«La coquette ne vous caresse
Que pour alarmer la paresse
D'un rival qui n'est point jaloux. »[1]

Dans sa comédie en trois actes de 1720, intitulée L’ Amour et la Vérité, Marivaux dissèque avec finesse et cruauté les relations entre maîtres et esclaves au XVIIIe siècle, en opérant une mise en abyme des relations de pouvoir, du rapport dominant/dominé, de l’usage de la force et de l'autorité, et de la convoitise et du désir.

Mêlant peintures sur toile ou sur bois, œuvres sur papier, impressions sur mousseline, vidéos et installations, l’univers artistique de Maty Biayenda apparaît comme un kaléidoscope d’expérimentations esthétiques convoquant un ensemble de personnages, réels ou fictifs, et formant une déambulation enchanteresse entre imaginaire collectif et mémoire personnelle, où séduction et impertinence se jouent des codes sociaux, raciaux et de genre.

L’artiste explore et assemble, en premier lieu, des archives, tantôt personnelles comme ses propres photographies de famille, tantôt historiques comme des documents relatifs à l’histoire des Noirs ou encore des images glanées dans des magazines de mode. D’origine franco-congolaise, ses recherches sur l’objectivation et la libération des corps noirs féminins à travers le concept de fétichisme lui ont permis d’aborder la question des représentations transgenres racisées. Elle constitue ainsi une archive visuelle à partir d’images d’icônes de la nuit, toutes réunies autour de la notion d’identité transgenre et afro-descendante—des reines de beauté du New York des années 1980, aux artistes transformistes caraïbéennes du cabaret parisien de l’après-guerre Chez Madame Arthur, en passant par des fragments d’images tirées de magazines de charme. Pour sa vidéo New Archives (2023), elle juxtapose les images de ces queens avec celles de ses amies filmées avec candeur alors qu’elles racontent leurs déboires amoureux ou leurs transitions.

Les figures fabuleuses auxquelles les travaux de Maty Biayenda font écho semblent tout droit sorties de Paris is Burning, film documentaire culte réalisé en 1990 par Jennie Livingston. Tourné entre le milieu et la fin des années 1980, ce dernier retrace la culture du voguing ball à New York et explore les communautés afro-américaines, latino-américaines, gays et transgenres qui y sont impliquées, formant un hommage poignant et sincère à la vibrante sous-culture new-yorkaise des drag queens et des transsexuels de cette époque. L’une des héroïnes du documentaire, Octavia Saint Laurent, prête d’ailleurs son visage à l’une des œuvres en mousseline de l’exposition, aux côtés de celui de Jenny Bel’Air, figure et icône transgenre de la nuit parisienne des années 1980. Ce jeu de transparence, de non-dits et de suggestions, mêlant visages et biographies d’inconnues ou d’icônes forgent une mythologie personnelle où ils se confrontent aux propres expériences de la vie de l’artiste. Ce qui se niche au cœur de la pratique de Maty Biayenda est l’attention portée à la notion de communauté, à travers la volonté de l’artiste d’explorer et de dépeindre les liens qui nous unissent. Famille choisie ou sisterhood, les personnages qui habitent ses toiles sont inspirés de ses amies, capturées dans des activités du quotidien—discutant au téléphone, chevauchant une moto ou écoutant de la musique, et dont les expressions sont accentuées par des gestes évocateurs, des regards en coin, et des mimiques savamment orchestrées. Ces œuvres sont aussi le miroir d’une génération de jeunes femmes racisées, portrait rendu d’autant plus percutant par le minutieux travail pictural effectué sur les tons de peau. À travers le jeu de couches et sous-couches que lui permet la peinture, Maty Biayenda décline ainsi à l’infini une palette de bruns poudrés, de beiges dorés, de mauves violacés et de noirs bleutés, formant autant de composantes à une réflexion sur le colorisme, terme dérivé du racisme basé sur le ton de couleur de peau et forgé en 1983 par la militante afro-américaine Alice Walker.

Enfin, La Caresse des Coquettes offre l’expérience d’un voyage cinématographique nous donnant à voir deux mondes, celui, visible, du réel et celui, invisible mais palpable, de la fiction. Un peu à la manière du film Mulholland Drive, réalisé par David Lynch, auquel l’œuvre textile suspendue qui accueille les visiteurs dans l’espace fait implicitement référence, l’exposition nous propose de ne pas choisir entre l’un ou l’autre, mais nous suggère plutôt que l’on ne vit que deux fois, une vie pour nous-mêmes et une pour nos rêves.

Martha Kirszenbaum

[1] Marivaux, L’Amour et la Vérité, 1720.

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Maty Biayenda
La Caresse des Coquettes

“The coquette offers us her caress
merely to awaken the distress
of a rival who betrays no jealousy.”[1]

In his 1720 three-act play L’ Amour et la Vérité [The Game of Love and Chance], the French playwright Pierre de Marivaux dissects the relationship between masters and slaves in the 18th century with finesse and cruelty while employing a mise en abyme of relationships of power between the dominant and the dominated, the exercise of force and authority, and the grip of lust and desire.
Combining paintings on canvas or wood, works on paper, prints on muslin, videos, and installations, Maty Biayenda deploys an artistic universe that resembles a kaleidoscope of aesthetic experiments. Her works conjure up a range of characters, both real and fictional, and form an enchanting journey between collective imagination and personal memory where seduction and impertinence play upon social, racial, and gender conventions.
As a first step in her process, the artist explores and assembles archives, sometimes intimate (her family photographs) and sometimes historical (documents relating to Black history or images gleaned from fashion magazines). The French-Congolese artist’s research into the objectification and liberation of black female bodies through deconstructions of the concept of fetishism has led her to address the issue of racialised transgender representations. One result of this approach is a visual archive that she has compiled based on images of iconic nightlife performers; taking shape around the notion of transgender and Afro-descendant identity, the archive ranges from the beauty queens of New York in the 1980s to the Caribbean transformist performers of the post-World War II Parisian cabaret Chez Madame Arthur to fragments of photographs taken from glamour magazines. For the artist’s video New Archives (2023), she juxtaposes images of these queens with those of her friends, who have been filmed in candid moments as they recount their romantic disappointments or their transitions.
The fabulous figures echoed in Maty Biayenda’s work seem to have emerged from Paris is Burning, the cult documentary by Jennie Livingston that was released in 1990. Using footage shot in the mid-to-late 1980s, the film traces New York’s voguing culture and explores the African American, Latin American, gay, and transgender communities involved in this scene. The result is a poignant and heartfelt tribute to the vibrant subculture of drag queens and transsexuals that existed in New York during that period. One of the documentary’s heroines, Octavia St. Laurent, lends her face to one of the muslin works in the exhibition, alongside that of Jenny Bel’Air, a transgender icon of Parisian nightlife in the 1980s. There is an interplay of transparency, unspoken words, and insinuations; the blend of faces and biographies of both strangers and icons ultimately forges a personal mythology that the artist confronts with her own life experiences.
At the heart of Maty Biayenda’s artistic practice is her emphasis on the notion of community as manifested through her desire to examine and depict the ties that bind people together. Whether a family by choice or a sisterhood, the characters who inhabit her canvases are inspired by her friends, who are captured in the midst of everyday activities — chatting on the phone, riding a motorcycle, or listening to music — and whose expressions are accentuated by evocative gestures, sidelong glances, and skilfully orchestrated expressions. These works also mirror a generation of young racialised women, creating portraits that are made even more striking by the meticulous pictorial work on skin tones. Through the interactions of the layers and sub-layers that painting allows, Maty Biayenda creates an infinite palette of powdery browns, golden beiges, purplish mauves, and bluish blacks that nurture a reflection on colourism, a term derived from racism based on skin tone that was coined in 1983 by the Afro-American author and activist Alice Walker.
In the end, the exhibition La Caresse des Coquettes [The Caress of Coquettes] offers observers the experience of a cinematic voyage that reveals two worlds: the visible world of reality and the invisible but palpable world of fiction. Rather like David Lynch’s film Mulholland Drive — which is implicitly evoked by the suspended textile work that welcomes visitors to the space — the exhibition suggests that we should not have to choose between one or the other, but that instead we only live twice, once for ourselves and once for our dreams.

Text by Martha Kirszenbaum

[1] Marivaux, translation of a passage from L’Amour et la Vérité, first published in 1720.

MATY BIAYENDA